《吻》作于1907--1908年的《吻》，是克里姆特的代表作之一。《吻》是一幅抽象主题的寓意画，他要表现的不是某个具体的人的爱，而是人类的普遍的共性之一：对异性的性爱。这幅画在风格上带有浓郁的伤感情调，也带有浓郁的东方装饰风味，可说是克里姆特画风的最典型的作品，它充分展示了画家独有的艺术特色。画面上所表现出的爱情，从总的氛围来看，是哀愁与感伤，而不是欢乐与兴奋，甚至还带有某些颓废的色彩。那个高高的男性正紧紧地拥抱着他心爱的情人在亲吻，女人仰着头，闭着眼，似乎正沉浸在恬静而又迷茫的爱情之中。她的双膝慢慢地滑向铺满鲜花的地上，一只手轻轻挽住爱人的颈脖，另一只手和男人的交织在一起。身躯倾斜，正扑向爱人的怀抱。两人紧紧地依偎在一起，而从女人的肩、臂、足以及男人的颈、背来看，他们都被装饰得璀璨的斗篷包裹起了赤裸的身体，融入沉醉的情绪中，好像正欲从吻进一步使爱得到升华，因此有的评论家认为《吻》是表现“色情内容”的作品。可是也有评论家持相反的意见，以为从《吻》的境界所反映出来的是苦涩，而非幸福；是伤感，而非热烈，它给人的启示是青春短暂，爱情虚幻。这幅画最引人注目的是其强烈的装饰风格。除了脸部、手部和一些花纹外，金色调几乎笼罩了全画。尤其是主体，男女的长袍好像一幅镶嵌画，又像一幅工艺性极强的图案画，这种“镶嵌风格”不仅在油画中绝无仅有，即在工艺中也独树一帜。同时，衣着上的图案纹样也非常别致。男人的是垂直的有力的长方形直线条图案，女人的则是大小不匀的圆形和曲线纹样，这是画家以图案纹样来区别两性的性别，带有暗示或象征的意味。而其色彩与整体的纹样效果，却又是东方风味，有点接近日本的图案纹样情趣。至于男人头上的花冠和女人发际的星星，是爱的象征；它们与地上的花朵互相呼应。而那些艳丽的花朵密集在一起，却如金色的岩石，有人以为这是象征爱情的坚不可摧，但有人以为正好相反，象征貌如磐石的爱情乃是朝开暮谢的花朵，转瞬即会消逝。但是不管人们怎么争议，一致的观点是：它的装饰性的强烈和由此产生的东方情调以及那种光怪陆离的美，的确是前所未有的。至于画中情侣的侧部形象之采用重彩和线描，也显然是受日本浮世绘影响的产物。因此，画家之从东方艺术撷取营养，应给西欧绘画以有益的启迪。

法国洛可可艺术代表画家华多
“洛可可”一词的涵义是“贝壳形”，它源于法语 rocaille，因属于路易十五时的艺术风格，故也称“路易十五式”。这种装饰风格的最大特征是：不论建筑内壁装饰，还是家具、画框以及用器等等上面的纹样花饰，都具有纤细、轻巧、华丽和繁缛的特性，弧线用C或S形，或者用漩涡形。在绘画上，力求色彩奢丽柔美，绘画的题材是爱情的追逐，为使形象尽可能浓艳、富有肉感，就采用人们最易接受的希腊罗马神话。这是18世纪法国宫廷封建贵族追求奢侈享乐生活的结果，是财富与权势结合的必然产物。
华多法国18世纪罗可可时期最重要的也最有影响力的一位画家。他画了大量带有喜剧色彩的作品，而且还发明了一种浓郁的富有哲理的爱，而且都有背景相衬托。是一个烧砖瓦窑为生的农村手工业者的儿子。他于1702年到巴黎，最初在画店里当学徒，为趣味不高的雇主临摹一些销路旺盛的意大利、荷兰的古典作品。后来，在舞台美术家吉洛的工作室当助手，这使他对戏剧发生了浓厚的兴趣。悉心研究了17世纪巴洛克绘画大师鲁本斯的色彩技巧，深受鲁本斯和其他17世纪荷兰画家的影响，使自己的艺术进入一个新时期。l709年，他初次参加皇家学院举行的“罗马奖”绘画比赛，但未被人选。这使他发愤回到故乡埋头用功。1710年再度回到巴黎，以两年时间完成了他最重要的作品《舟发西苔岛》。他在这幅宽约两米的油画中，把法、意两国民间传说中的爱情之岛，描绘成一个虚无漂渺、可望而不可及的地方。在将近10年的时间里，华脱拼命地作画出售，题材大多是戏演员和纨挎子弟们风花雪月的生活，色调轻柔、形象抚媚，被人们称做“香艳体”。由于过度操劳，他的健康大受损害，终于患上肺病。1719年华多赴伦敦求医，并遵医嘱到意大利疗养， 1720年回到巴黎。应为他经售作品的画商兼收藏家热尔桑的请求，用8天的时间完成了他最后的杰作《热尔桑的画店》。这幅画生动地再现了18世纪巴黎画店的面貌和贵族们选购画作的情景。华多终因肺病复发，咯血不止，在马斯河畔诺让市自己的画室中逝世， 只活了37岁。他留下了大批素描、速写和草图，是一笔十分宝贵的财富。在这些素描中，他出色地捕捉住人物的瞬间动作和表情：偷偷一瞥的眼神，袅娜作态的动作，漫不经女的手势，翩翩起舞的姿态，装腔作势的行礼，各种各样转瞬即逝的生动形态，都被画家敏锐的目光和娴熟的技巧所捕捉再现。《舟发西苔岛》：是华多的一幅著名的代表作品，画中题材是取自当时的一个歌剧，描写一群贵族男女，梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园。西苔岛，是希腊神话中爱情与诗神游乐的美丽岛屿，传说中爱神维纳斯居住之地。华多尽情描绘贵族男女准备出发去那里访问的情景。既然那是个行乐的天地，画家就以蔚蓝色大海为背景，远望烟波浩渺，使人展开渴求这种环境的幻想翅膀。画中描写三姐妹各自带着自己的恋人准备乘船向西苔岛，寻求天堂胜景和永恒之爱的情景。画家把人物分成几组，近景处是三姐妹及恋人，他们成双成对准备随已经动身的情侣们同行。画家精心构思这一情节由最前面坐着的男女开始把观众的视线逐渐引向正在起身，起步缓行而后到违规而去的一队情侣，整幅画面形成了一个流动的时间曲线，造成活动的人物与安谧寂静的风景之间的对比。这里的构图是一个充满诱惑的幻景，所绘的大自然也充满诗意。金色的霞光普照大地，这些贵族情侣在等待依次登上缀满鲜花的彩船，他们是那样迫不及待，有的早在相互搂抱，有的忙着挤上去。灿烂的阳光清楚地显现出这些醉生梦死的贵族男女的调情动作，尽管这些人物在整幅画上的比例较小。远处待发的船帆，更点醒了这幅画的主题。华多这幅画创作完毕后，交皇家绘画雕刻学院，皇家学院授予他会员的荣誉。这幅真实地反映了当时宫廷贵族的生活趣味和心理要求，受到上流社会的赞誉，华多也因此博得"风流画家"的雅号。由于这一幅《舟发西苔岛》画得很成功，华多于1717年8月28日被法兰西艺术院接纳为院士，从此，声望日隆。求画的人使他应接不暇，生活也有了极大的改善，但他仍勤奋作画。大约在1716年初，他总算有了一幢西鲁瓦为他提供的单独小房，可以安心于自己的绘事了。
《热尔桑画店》：这幅《热尔桑的画店》，是华多1720年末为他的好友兼画商热尔桑的店铺所作的装饰，原是作为礼物送给他的好朋友热尔桑的店铺所作的装饰，或者说是“招牌”的，画家仅用一个星期就完成了。这是画家的最后一件作品，就在作品完成的第二年，华多走完了他短短37年的生命历程。这幅画的主题是诉诸于画家的直感和想象，是他对贵族的空虚灵魂的绝妙写照：画店里挂满了模仿得极为精致的油画“名作”。从墙上可以找到鲁本斯和凡•代克的佳作，也能见到安东尼奥•莫罗、鲁伊斯达尔、波特、范•奥斯塔德等名画家的作品。漂亮的热尔桑太太在和几位绅士商谈着画的价格。左边两个包装工，一个开锁的小工在忙着装画，一个工人正往箱子里放的那张，显然是路易十四的肖像。这一细节带有象征性，表明路易十四时代的趣味结束了。两个纨绔子弟正在津津有味地欣赏一幅椭圆形的裸体画。华多使用一种质地最好的稠性颜料，色泽较丰润、画面发亮。此外，在这幅画上可以见到画家色彩明暗的表达力。宽长的幅面把画店宏阔的内景展现得很具体。不仅布局协调，色彩与形体的配合也是无可非议的。画家把这个画店看成是一个贵族社会的缩影：他们恣意寻求享乐，讲究穿着，提着柔软光滑的缎子衣裙，面对着名画摹制品，附庸风雅。他们饱食终日，想在感官上填补一下自己内心的空虚。显然，这里的主题思想是尖酸刻薄的，但并没有漫画化。正因为它展现得符合真实，这幅画在罗可可绘画中是格调迥异的。

法国洛可可艺术代表画家 弗朗索瓦•布歇
布歇（Francois Boucher，1703—1770），法国画家、版画家和设计师，是一位将洛可可风格发挥到极至的画家。布歇生于巴黎，父亲是图案画家。从少年时代受父亲的教育，是个极其早熟的人，二十岁时就获得美术院展览会的一等奖。以后，在意大利留学四年多，技术越发提高；回到巴黎后，声誉大振，以至受到贵妇人们的沙龙的接待。顺便说一下，路易王朝的贵妇人的沙龙是有名的学者、政治家、诗人、音乐家、画家等聚会的场所，受到那里的接待是无上光荣的事。布歇由于这种关系就开始结识了各方面的人士。他既画歌剧院的布景，也画壁挂织物图样。因此，不久他的才能被路易十五世的情人蓬帕杜夫人所赏识，画了几幅她的肖像画。蓬帕杜夫人是路易王朝第一美人，而且是才女。布歇又为这个奢侈享乐的美女设计女服和装饰品，布歇设计的图案成为当时出入宫廷的贵妇人们所效法的榜样。布歇在西方美术史上是位有争议的画家，他同时代的启蒙思想家、文艺批评家狄德罗曾极其尖锐地抨击布歇的艺术，他说：“对这个人我不知道说什么才好，他的作品中趣味、色彩、构图、人物性格、表现力和线描的堕落紧紧伴随着他人品的堕落。狄德罗的批评十分尖刻，因为他是站在新兴资产阶级启蒙思想的高度，将布歇看成是腐朽的路易十五王朝的宠儿，并且认为他的艺术对社会产生了消极的影响。狄德罗说得很清楚：“布 歇所表现的优美雅致、风流倜傥、诱人的媚态和高雅的趣味，它的才华，它的丰姿，照人的光彩，浓妆艳抹的肉体，还有荒淫放荡的行为俘虏了那些纨绔子弟、风流女人、青少年、上 层社会人士以及那伙对真正高雅的趣味、真实感、正确的思想和艺术的严肃性一窍不通的人。”狄德罗的过激评论是基于对当时封建贵族的腐朽生活和艺术的深恶痛绝，但我们应公正地评价布歇的艺术，正如俄国普列汉诺夫所说：“优雅的性感就是他的缪斯，它渗透了布歇的一 切作品。”法国绘画史对他的评价是：“人们对布歇的作品不屑一顾，这可能是因为在他之前有华托，在他之后有弗拉戈纳尔；并且显然他没有前者的深刻，又没有后者的才智和强烈 的欢乐气息。可是，他是这条链子上承上启下的、必不可少的一环。他作为色彩家和表现光的画家，位于最伟大的大师之列”。
《沐浴的狄安娜》宙斯与勒托生了太阳神阿波罗和月神戴安娜，戴安娜还是司狩猎的女神，这对孪生兄妹一直是画家喜爱描绘的对象。布歇最醉心于描绘轻浮的女神，她们有着秀柔的、玫瑰色的肉体和娇嫩的皮肤。在这幅人体作品中媚俗的格调一目了然。这幅女神出浴图，与其说是描绘神话中的女神，不如说是路易十五后宫美人出浴图。画家竭力描绘的是裸女的形体美，纤小的手足，柔嫩白皙的肌肤，躯体坚实丰腴，裸体姿色性感而诱人，由颈项下延至肩臂胸部的曲线，圆润如珠，光彩夺目。有位评论家认为这幅女神出浴图是布歇“最艺术性的裸体画”，“在这里，不仅她年轻的身体，秀气的手腕和脚踝，而且她优雅的姿势和微微反射的光都表现出一种过分的精美”。
    画面近角处安置的体现狩猎女神的弓箭、猎犬和猎物同样与人物风格不符。画中突出描绘主体形象戴安娜和陪衬的女佣，画家着意在女性娇柔细嫩的肉体和高贵的气质上。实际上画中人物是布歇的两位专用模特儿缪菲姐妹，画家赋予充分的理想化，就造型的准确性和丰富的色彩感而论，布歇的人体艺术不愧大师之作。
《日落》的这件作品，以其喻意表现画题，而这一切则是由裸体去体现。布歇在这里，以惯用的甜腻手法，刻划了如瓷器细腻的女裸肌肤与躯体，以迎合当时贵族的享乐心理时尚。就技巧而言，《日落》的手法与技巧是非常娴熟的，但是，内容空泛，精神苍白；以展示女裸体的美感为题旨的《日落》，却走向了偏颇--充满血欲的刺激与诱惑，这是罗可可画风最常见的现象。
《蓬帕杜夫人》蓬帕杜夫人的原名叫让娜•安托瓦内特•普瓦松，出生于巴黎一个金融投机家家庭，嫁给埃蒂奥尔之后，成为巴黎社交界的红人，为路易十五所钟情，成为国王的情妇和私人秘书，封为蓬帕杜侯爵夫人，从此成为国王有力助手，干预国家大事，以文化保护人身分左右着法国文艺发展，倡导路易十五样式，即罗可可艺术。她本身极富文艺修养，是有多方文艺才能的夫人。布歇与夫人的审美情趣非常接近，很受夫人赏识，后成为她的绘画教师，为夫人画过多幅肖像，这是其中最优秀的一幅。画中人物形象，在高贵、典雅、庄重中隐含妩媚，纤细优美的身体着瑰丽华贵服饰，娇嫩光泽的面部，双眼神情发着光芒，她侧身静坐于画面，在高贵华丽环境衬托下发出夺目光辉，从她背后镜子里反射出对面的书橱与桌下随意而放的书籍，可见夫人博学多才，稍加注意夫人周围散乱着的配物都有表明夫人身分的含义。布歇在这幅肖像中使用蓝绿色调，表现了贵族夫人的高雅，运用极细腻的笔法精微刻画衣着配饰的质量感，浮华的饰物被画得有触摸真实感。就造型技巧而论，布歇是一流的。

弗拉戈纳尔
法国洛可可风格画家。父亲送他入一律师家当学徒，但他无意于律师的职业，而入了夏尔丹的画室去研习油画技法。这位浮躁的青年对夏尔丹的平静与朴实的绘画题材不感兴趣，夏尔丹也嫌他“没出息”，说他“整天爱在巴黎闹市厮混，是个无可救药的浪子”。 当他见到布歇那些粉艳诱人的作品时，便决意离开夏尔丹的画室，转入布歇的门下完成基本训练( 时间约从1748-1752年间)。因此说，弗拉戈纳尔实乃是布歇绘画的继承者。但他后来又倾心于鲁本斯的色彩和伦勃朗的明暗法，最后才形成自己的风格。他也留学过意大利，三十一岁回巴黎以后，才开始他的真正的创作活动；他的作品手法多种多样，既有豪放恣意画成的，也有精心严谨地描绘的。
弗拉戈纳尔的作品风格多变，色彩华丽，充满色情意味。晚年时因绘画风格不合时尚逐渐没落。他的代表作品之一《秋千》，巧妙地运用明暗的变化，以纤细的笔致，描绘出庭院和树林的美，非常精巧。它的纤细的线条，有种类乎病态的魅惑，色彩也淡雅。从这种表现来说，弗拉戈纳尔虽然是天资丰富的艺术家，但他的主题却稍稍有种不严肃之处。从下往上眺望正在打秋千的贵妇人的年轻贵族，也许当时没有遭到非难，但今天看来，就颇有轻佻浮薄之嫌了。对此只能认为弗拉戈纳尔是迎合贵族的轻佻作风。弗拉戈纳尔是最受杜巴莉夫人关照的画家，擅于在抚媚的人物和华贵的服装上逞其逸笔，在取悦妇女上可谓登峰造极，最拿手的是肖像，大块的厚色、飞舞的笔触与传统手法大相径庭。因此弗拉戈纳尔的画令人感官愉悦，在他作品中可发现许多技巧的变化和各种不同的媒介。不论是以油彩、水彩、墨水渲染、白垩、或中国墨等来作画，他在即兴的速写中捕捉人类欢愉情绪的才华，使他成为这个无忧无虑时代最耀眼的诠释者。弗拉戈纳尔的才能是相当杰出的，笔下流露出一股曼妙的离幻色彩（受杜帕丽夫人所托，表现象征爱情男女追寻爱情之泉的《爱情之泉》），尤其在色彩的调配上独得其妙，这一点超过了布歇；但是也将老师取悦浮华的轻佻画风推向了前所未有的高峰，他在选材上更加无所忌惮，不断地传达一种类似病态的魅惑之美（《浴女》）。弗拉戈纳尔地研究了文艺复兴以来的艺术成就，他继承了老师布歇造型精美、色彩绚丽的优点，并将一种大胆的细节描写注入到绘画情素中，由此我们看到了大量的属于那个时代的爱情取向。
《秋千》：《秋千》一画描绘的是一个年轻美貌的少妇正在荡着秋千；在她的身后，坐在石凳上哄着少妻玩耍的是一个至少比这个“少妇”大40岁的老夫。少妻玩的非常开心，老夫心里自然也非常高兴。但是，他万万没有想到使他妻子开心的并不是他这个老夫，而是深藏在树丛中的一个小伙子。这个少妇不停的向小伙子眉目传情，还有意把鞋甩向这个小伙子的方向。据说，这个小伙子就是订画者、著名的银行家桑•朱理安。显然，订画者是有意炫耀自己的这段“爱情”经历。尽管画得十分细致,比如，花园的景色与树丛画得很美，画意的格调却极其低俗。这幅画代表了当时贵族的艺术趣味。以调情为内容，在弗拉戈纳尔的全部作品中占有一定优势，而且无论从内容与形式上看，比起他的老师布歇来，则有过之而无不及。诚然，弗拉戈纳尔的进步的艺术思想与颓废的贵族趣味是并存着的。后者在为显贵们订购而作的那些幅画上，表现得非常露骨，轻佻的内容与高超的色彩技巧，是弗拉戈纳尔继承布歇"向妇女献殷勤"的一种绘画"传统"。类似这种描绘男女间风流艳事的画还有好几幅，如描绘舞会上一位少妇溜到侧室与情人仓促接吻的《偷吻》(藏列宁格勒艾尔米塔日博物馆)、抱着少女试行求爱的《门闩》、纨绔子弟用梯子爬到阳台上与心神不宁的少女幽会的《约会》等。有些方面几乎还显出色情描绘的成分。当时的沙龙内就有人抨击这种绘画。但他的名声也从此沸扬，他的画完全是迎合巴黎上流社会的。不过，弗拉戈纳尔的艺术与他的品行有着明显的两重性。他不象布歇那样甘为宫廷的雇佣画师，也不贪图官方的赞助。在整个18世纪画家中，他是第一个公然蔑视院士们的画家。然而，在他艺术的繁盛时期，为了金钱，他却乐意给富人们画一些爱情与放荡题材的小画。无怪他的朋友说他是一个可悲的“为混饭吃而粗制滥造作品”的画家。

荷加斯
英国画家，艺术理论家。1697年11月10日生于伦敦一个清苦的教师家庭，由于家境贫苦，父亲曾因负债入狱，这种生活经历对他以后的创作风格有着很大的影响。1764年10月26日卒于同地。这位被称为"英国绘画之父"的画家，可以说是英国第一位在欧洲赢得声誉的、富于民族特色的美术家。荷加斯的作品主要是铜版和油画风俗画及肖像画，1730年前后他创造了一种把许多肖像集中于一幅画中的谈天画，这种画着重人物心理刻画，极富戏剧性。这种谈天画有点类似于荷兰的群体肖像画，但比荷兰的群体肖像画更富戏剧性，更着重于人物的心理刻画，画中人物组合关系谈笑自如，非常生动，这种”谈天画”仍属于肖像画，因为它旨在描绘画中每个人的与众不同的外貌与个性特征，但是以风俗画形式出现的。荷加斯独创的”谈天画”实际上就是在群体肖像画中加入一些有趣的情节，但又不是专门以表现某一情节为主，而是着重描绘画中人物的形象个性，因此属于群体肖像画，只是比哈尔斯的照相式动态更生动，更有情趣。还画了许多讽刺社会不良现象的连续性组画，如《妓女生涯》铜版组画,1735)、《浪子生涯》（铜版组画,1735）、《文明结婚》（油画组画,1743）等，色调新颖，技巧娴熟，均被复制成版画广为流传。他把这些作品称为“社会道德题材”，对当时社会不公正的现象进行了深刻的揭露和辛辣的讽刺。在他的作品里揭露了英国社会的一些阴暗面，但不是以漫画，而是以十分精细的油画形式来表现，人物和构图场面都比较复杂，也极富装饰性，故当时英国社会称他"笑料摄影师"。荷加斯的油画作品笔触粗阔，色彩富于表现力，他的肖像画不同于当时流行的理想化肖像，而善于突出人的个性和社会特征，最能显示其才能的是《卖虾女郎》。1753年发表的《美的分析》是欧洲美学史上第一篇建立于形式分析基础上的论著，对以后的绘画发展有一定影响。 荷加斯的绘画与当时英国流行的画风格格不入，他没有学生和追随者，但他的艺术奠定了英国绘画的进步传统。荷加斯的艺术曾先后受到以鲁本斯为代表的巴洛克艺术影响，尼德兰的博斯和勃鲁盖尔给他的讽刺画创作有极大的启迪，也不能忽视法国的罗可可艺术和伦勃朗艺术在他创作中起的作用。荷加斯热爱生活，他的创作题材都取自现实生活，他对现实社会中的人物和事件都有极敏锐的观察和理解，他具有画家的眼和手以及小说家的头脑，他还利用艺术对大众进行道德教育。荷加斯不仅是画家，也是位美学家，他著有《美的分析》，是欧洲美学史上第一篇关于形式分析的美学专著。他主张用优美、雅致的曲线作为达到绘画美的钥匙。
他从小没有受过正规的艺术教育，15岁时被父亲送到一个银匠家做学徒。1720年，荷加斯成为铜版画家而独立工作，1726年进入画家松希尔的画室学习油画技法。荷加斯最初是做一个银器工匠的徒弟，学镂金底样和雕刻，因为决心要画画，就到一个叫桑西尔的画家家里，正式开始学习绘画。但是荷加斯决不是遵循先生教导的听话的学生。桑西尔先生是当时的名人，然而却是个因循守旧不知变通的学究，只会让学生临摹别人的作品，毫无新意可言。荷加斯很讨厌临摹死板的东西，相反，他却很喜欢照实物写生，为此他很遭先生白眼。不过，荷加斯却出人意料地长期到桑西尔先生的画室去，实际上那是因为喜欢桑西尔的女儿简斯，最后荷加斯“拐跑”了简斯，草草地结了婚。桑西尔为此大发雷霆。当时荷加斯还不过是无名的青年画家，作版画勉强维持生活。然而不久，荷加斯的连续性组画逐渐博得了社会的好评，取得了公认的地位，过上了幸福的生活《我的家庭》；桑西尔才不得不承认这个被自己骂作“流氓”的女婿。荷加斯是世界美术史上著名的组画大师，就象用绘画来创作小说戏剧一样，在这种特殊地讲述故事中，充满了滑稽、严肃、讽刺，各种各样的情感。他对同时代人的生活和命运十分关心，在他极具时鲜性的组画中，最著名的代表作品是五幅组画《交际花》（表现妓女的悲哀）、六幅组画《时髦婚姻》。
《时髦婚姻》：18世纪中叶，英国的新兴资产阶级正处在上升阶段，而封建贵族已日趋衰败：贵族阶级虽然还享有特权，但经济上已入不敷出；资产阶级虽腰缠万贯，但没有特权。正是由于这样的阶级关系，所以，社会上出现了一幕幕可鄙的交易，婚姻交易只是其中的一种。针对这一时弊，1744年，英国著名的风俗画家荷加斯创作了《时髦婚姻》6幅系列组画。作品通过一个资产阶级和一个没落贵族的儿子之间不幸的婚姻，反映出当时英国社会一些新兴资产阶级对贵族的身世十分羡慕，往往利用子女的买卖婚姻来实现个人目的的现象。荷加斯就是利用这套组画所表现的一系列情节和一种高超的讽刺手法对社会状况揭露和嘲弄，六幅作品既各自独立又互相连接成一种情节的演变。伯爵只想发财，和暴发户的女儿结了婚，但是本来二人之间根本没有爱情，结婚以后不久，就互相厌倦吵架。伯爵有了财产。又想方设法找发财的妙招；和炼金术士交了朋友，于是任意挥霍财产；而伯爵夫人则每天每晚请来许多朋友，举行宴会。不久生下了孩子，当然是要把这个私生子交给保姆了。伯爵因此找侮辱自己名誉的坏蛋决斗，不幸身死，伯爵夫人也醒悟过来，不堪自责，服毒自尽。然而听说她处于弥留状态，马上跑过来的父亲，却不先哀伤自己的女儿，而是从女儿手指上取下宝石戒指，放到了自己的口袋里。《时髦婚姻》是一幅富有想象性说明力量的作品，表现了浮华生活的无聊与庸俗，讽刺了这种所谓的“上流社会的结合方式”。荷加斯是一位继承了欧洲大陆各种优秀绘画方式的画家，然而却能独立于各个艺术风格之外，。他的色彩富有强烈的张力感，用笔泼辣大胆，创造了英国画坛“写意”的先河
铜版画《浪子生涯》(共8幅)：这套铜版组画是描写一个名叫汤姆•雷克韦尔的19岁青年，继承了父亲的家财，从牛津大学学完回到家乡后的堕落经过。汤姆接受了丰厚的遗产，趋炎附势者不断上门奉承，他更是踌躇满志，整天吃喝嫖赌从妓院到赌场通宵达旦，狂放不羁，最后连妻子的财产也被他押上赌台，致使债台高筑，直至锒铛入狱。这里的一幅版画是组画的第三幅，描绘汤姆在德鲁里巷子的一家酒馆里的腐化生活:此时，他已喝得酩酊大醉，瘫在椅上，左手拿着酒杯，一只脚搁到妓女的身上。那个妓女偎倚在他身旁，用手去摘他歪戴的帽子，扣到自己头上，另一手在掏他的口袋。其余的妓女散坐在各个男人身边，作出各种风骚姿势，与各自的嫖客调情。在画的左侧，一个胖胖的小妓女正在脱衣服，准备跳到桌上去跳她的挑逗性舞蹈。远处一个妓女用蜡烛凑向墙上的一张地图，已经烧着了这张图，她狂言要烧掉这个"世界"。左边有一醉醺醺的绅士在弹竖琴，旁边一个笔直站着的妓女，正配合琴声高唱她的情歌。这些景象是画家的目睹所记，然后回画室蓄意加工而成。此套组画以及以前的那套《妓女生涯》，确定了霍加斯在英国美术史上的重要地位。

英国风景画家康斯坦布尔(John Constable)
康斯坦布尔出生于泰晤士河河口北面的萨福克郡，父亲是一位磨房主。他的一生非常平淡，他一直在家乡作画，从小酷爱绘画，16岁时因为学校教师太残酷而转学，这位新校长很欣赏他的才华，有时在法语课上发现他在画画，就会停在他身边，然后说：“继续吧，我并没有睡觉，我看你现在是在自己的画室里呢！”，但并不惩罚他。 康斯坦布尔的父亲并不同意他做一个专业的画家，希望他能做一位牧师，但并不反对他画画，由于他不愿意做牧师，就只好让他在磨房中工作，同时他经常画画，画周围熟悉的风景、风车、磨房，1795年获得父亲的同意，由一位来访赞赏他才能的画家将他领到伦敦，进入皇家美术学院学习，他想摹仿大师们的风格，但没有成功，发现自己一事无成，甚至想回到家乡干脆做个磨房主算了。康斯坦布尔回到家乡，但常徘徊在乡下写生，1802年终于在皇家美术学院展出了他的风景画。以后一直到1810年，每年都有作品参展。从1806年开始在英格兰北部旅行，作品的水平越来越高，终于抓住了人们的视线。他爱上了家乡的一位姑娘玛丽，但姑娘的父亲不同意，直到5年后才答应，为了不给姑娘的父亲找到拒绝的借口，他接受了所有订货，大量的工作和精神的疲劳对他的体质起了很坏的影响。1816年他终于结婚，婚后他的妻子为他生了7个孩子。康斯坦布尔的父母希望他能做一个肖像画家，可以接受更多的订货，但他没有兴趣，一生中只画过几幅，基本是自画像和他妻子的肖像。他的风景画受到越来越多人们的关注，他自己也从疑虑中解放出来，增加了勇气和自信。1819年他被选为皇家美术学院候补会员，十年后才被选为正式会员。1824年，许多外国艺术家参加巴黎沙龙的展览，引起轰动，其中康斯特布尔有三幅作品《干草车》、《英国的运河》和《汉普斯戴特的荒地》。法国著名画家德拉克罗瓦刚画完自己的名作《希阿岛的屠杀》送到沙龙，看到康斯特勃的三幅作品后，立即赶回，将《希阿岛的屠杀》上的天空重新绘了一遍，他说：“康斯特布尔给了我一个优美的世界”。康斯特布尔的《干草车》在巴黎所得的评价甚高，获得了金质奖章，并专门在圣马可大街上开了一个康斯特布尔沙龙。 1829年康斯坦布尔的妻子患结核病去世，对他打击很大。他的生活日趋消沉，再也没有兴趣去寻找新的景色了，经常重绘他年轻时代画过的东西。他回到家乡，忧郁和悲痛的情绪一直笼罩着他，但他从没有停止工作，直到去世，最后一幅作品是《阿伦德尔的磨房和城堡》。康斯坦布尔生前，英国美术界对他并不重视，直到去世后，他的作品才得到赞扬，现在已经成为英国风景画的代表，他的作品把英国的风景画真正从因袭成规和外国影响中摆脱出来，他热爱家乡和大自然，甚至从没有去过苏格兰和威尔士。他像一位田园诗人，但他对后来的画家，尤其是法国的画家影响很大。他有许多独创的技法，如用刮刀直接铺色块，产生闪烁着亮光的白点，表现树叶的反光，这些技法直接影响着巴比松画家和后来的印象派画家。康斯坦布尔以纯朴的现实主义自然观向人们展现明净的大自然。在他的画里没有诗情的回忆，也没有理想的修饰，更没有哲理的暗示，他在用笔触和色彩表现某种特定的光线、特定的时间和特定景色中用语言传达不了的东西。他在画中画出了时间里的空间，他爱画春天和夏天而不喜欢画秋天。他认为春夏颜色新鲜、欢乐，他推崇光与色，表现一定时辰的天气变化中的景物。他实在是位痴心于自然的画家，人们公认他是第一流的最诚实的大自然的讴歌者。他的理论和实践对法国巴比松画派的形成和对印象派的产生都有着决定性的影响。