中央美术学院版《外国美术简史》考研笔记(6)

本站小编 免费考研网/2018-03-11


《土耳其浴女》创作于1862年,《土耳其浴女》反映了安格尔借助众多的“洁凈”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁凈”的形式,可是众多的“洗练”和“洁凈”就是丰富的形式了。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现具象人体表现这一抽象课题的表达方式,是来自古典主义的传统;但是,这种真切而又超越真实,单纯而又变化丰富,柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调,是传统的古典艺术中所从未有过的。画中的裸体组成了一个中间性的基调,小小的蓝、红、黄各色斑块,如宝石一样嵌缀其间,只是稍显模糊,但非常和谐一致。在女性美的表现上,安格尔克服了他那种感官上的爱好,赋予了它以传奇的魅力。这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。
《大宫女》是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景,具有浓郁的东方情调。安格尔的艺术“清高绝俗,庄严肃穆”,这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中,安格尔放弃了很多不必要的细节,使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中,就像是精心计算过一样,每一个“数字”所代表的都是和整体息息相关的极其“危险”的事件,随意改动其中的任何一处,都会使整个画面彻底坍塌。这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论,毕氏仰望夜空,都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐,他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。在这幅画上,比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着,华丽而不失平和。安格尔早年游学意大利时,也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。故意拉长的身体,似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。艺术并不是盲目地复制现实,而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感,不需要任何理由。齐白石说作画“妙在似与不似之间”,在形体脱开世俗的桎梏之后,精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。它潜藏着一种心理上的欲望和征服。安格尔毫不掩饰,甚至极力夸张女人体感官上的魅力,同时又极其冷静、富有克制力地将它表现出来,恰好为观众的视觉与欲望之间提供了适当的安置。
《泉》实现了他对人体美与古典美完美结合的形式追求。在这里,他展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。他描绘一位举罐倒水的裸体少女,身躯略呈S型,婀娜多姿,双目透出清纯,虽然身体袒露,却让人觉得她如清泉般圣洁。《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿,但一直没有完稿。最初在安格尔心中构思的“泉”,是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望,他早在1807年就画过一些草图,后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式,企图使形象更单纯化。为了创作好这幅作品,安格尔竟酝酿了36年的时间。它通过一个抱罐倒水的裸体少女形象,表现了画家终身追求的古典美。在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中, “泉”无疑是最好的一幅。安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作“泉”,但一直没有完稿。二十六年以后,当他已是七十六岁高龄时才画完此画。据说曾有助手帮他绘制,如有人认为这幅画最初是由他的两个学生协助完成的。 安格尔一生在裸体素描上下过精深的功夫,而且只有当面对裸体模特儿时,他的现实主义真知灼见才显现出来。《泉》,(1956年)是安格尔最著名的画作之一。这幅画是安格尔的得意之作。“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。由此可见,安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有,在他的构图创作中,只有当他的可能拜倒于女人面前时,他才创造了真正的艺术作品。

借里柯
被誉为法国浪漫主义艺术的先驱,仅在世短短的33年,他的才华和气魄对法国画坛产生了不可磨灭的影响。1791年出生在法国北部诺曼底卢昂的一个律师家庭,少年时就热爱绘画,后全家移居巴黎,17岁时师从于韦尔内的父亲卡尔•韦尔内,学生时代他就表现出不肯循规蹈矩地遵从古典原则的气度,被他保守的老师所排斥,认为他学画没有什么前途,最好改行。两年后又转到格罗(1771-1835年)画室,在这里同学的还有比他小7岁的德拉克洛瓦,他们在这里共同接受古典主义学院派的教育,后来都成了浪漫主义大师。与老师背道而驰的席里柯经常出入于巴黎的美术陈列馆,以后他去意大利学习,惊叹米开朗基罗的创造力,成为这位大师的崇拜者。他有志于创新,注重个人情感的表达,在作品中往往流露出米开朗基罗般的宏伟感和运动感,对提香、拉斐尔的艺术十分推崇。他热爱大卫的革命精神和鲁本斯狂放且富激情的构图和造型,并研究过富有浪漫主义精神的格罗和西班牙戈雅的艺术,逐渐显示出浪漫主义雄姿。1812年年仅21岁的席里柯,第一次在沙龙展出了《轻骑兵军官的冲锋》获得意外的成功。两年后当路易十八波旁王朝复辟时,他参加了贵族近卫骑兵队,这期间又画了著名的《受伤的胸甲骑兵》,后来他投入了反波旁王朝的斗争。画家27岁时为了研究文艺复兴遗产,赴意大利考察学习,先到佛罗伦萨,尔后又到罗马,他不知疲倦地临摹米开朗基罗的作品,尤其是按自己的理想临摹米开朗基罗的《最后的审判》。偏爱强烈的运动和有力的造型,使他获得“法国的米开朗基罗”的美誉。后来离开意大利又去英国和比利时,还去布鲁塞尔探望被流放的达维德。席里柯28岁时创作了世界名作《梅杜莎之筏》,尔后到英国和德国展出,引起极大的轰动。1824年1月年仅33岁的席里柯不幸坠马而身亡。19世纪初,法国海军部任用了一位根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长,这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没,船上有权势的人都乘小船逃命,遗下150多名乘客和船员。他们为生存造了一只木筏漂泊海上,半个月后得救的时候,筏上生还者只有15人,上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满,受到社会各界舆论的谴责,富有正义感的画家席里柯从这一真实事件出发,创作了这幅世界名作--《梅杜莎之筏》。画家为了描绘这起真实事件,阅读了生还者的回忆文字,并访问了幸存的人,请他们作指导,还自己做了一只类似“梅杜莎”的木筏,亲自在海上漂泊,以获取真实的环境、气氛和对大海风浪变幻的体验。他构思良久,先后构图多幅。为了能真实地再现当时的情和景,他亲自到病院观察垂死的人的情态,为了描绘死者的肉体色彩,他将解剖的死人体浸于海水中观察其色彩变化,他还请黄胆病人为他做模特儿,据说病中的德拉克洛瓦就做过他的模特儿,他的艺术观和创作直接影响了德拉克洛瓦。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间,他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆,逆风将木筏往后吹行,这就造成了遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。激情正是浪漫主义精神所在,但画中那座人体构成的金字塔不免有古典主义的遗风,在这幅画中浪漫主义的激情和古典主义造型交织在一起,构成由古典主义向浪漫主义过渡的杰作。这幅画巨大的画面,结构宏伟、气势磅礴。情节激动人心,构思大胆富有戏剧性,构图严谨充满律动,画中人情感激越。人体塑造坚实有力度,光影对比强烈,整个色调阴森沉郁,显示出震撼人心的悲剧力量。这幅杰作的问世,开辟了浪漫主义的艺术道路。法国历史学家弥列什赞扬说:“席里柯独自一人凭自己的力量把船引向未来,法兰西本身,我们本身在《梅杜莎之筏》上被表现出来了。”可是当这幅史无前例激动人心的作品1819年在沙龙展出时,受到古典主义画家猛烈的攻击。安格尔看了以后说:“我真希望把那幅《梅杜莎之筏》从卢浮宫博物馆内剔除出去,我不想看这种东西,这只能算是解剖学的表演,展现在人们面前的是死尸样的人物,实在败坏观赏者的趣味。”在当时最能理解这幅画的是一位比席里柯小7岁的青年,他在自己的日记中曾这样写道:“当席里柯在画他的《梅杜莎之筏》的时候,允许我去看他作画,他给我这样强烈的印象,当我走出画室后,我像疯人一样跑回家去一步不停,直到我到家为止。”这个人就是被誉为浪漫主义之狮的德拉克洛瓦。

法国浪漫主义画派代表画家欧仁•德拉克洛瓦
德拉克洛瓦是继席里柯之后法国杰出的浪漫主义画家。有“浪漫主义雄狮”之称。他情感丰富,知识广博,有多方面的才能,他还擅长音乐,有较高的文学修养。他美妙的日记,成了他所生活的时代的记录,在艺术理论上德拉克洛瓦也颇有建树。大卫和安格尔在艺术创造中求助于典范,德拉克洛瓦则是以自己的热情为艺术之源。有人说如果让他的热情充分发挥的话,他一个晚上就能用颜色涂满巴黎的墙壁。在德拉克洛瓦的艺术世界里处处与古典主义相对抗:他要推翻古典主义所有法则,他力求洞察一切秘密。他从不害怕放纵自己的幻想:他以动态对抗静止、以粗犷对抗极端工整、以强烈的主观性对抗过分的客观性、以光和色对抗素描。色彩成为绘画的主要问题:以无穷变化对抗僵化完美、以人物的个性化对抗严整的类型化。德拉克洛瓦用色彩笔触淹没了造型的轮廓,摒弃了对象的雕塑感,现实的美丑皆可入画,以此对抗高贵雅致。如果说和古典主义的种种对抗称之为浪漫主义的话,那么德拉克洛瓦就是浪漫主义的雄狮。欧仁•德拉克洛瓦生于巴黎一个外交官的家庭,母亲喜爱音乐,舅舅是大卫的学生,这使德拉克洛瓦幼年时代就受到了良好的艺术影响,他爱音乐善画画。他说:“音乐常赋予我一些伟大的思想,当我听音乐的时候非常想画画。”他17岁时入巴黎美术学院格罗的画室学习,格罗是大卫的学生,但格罗已显露出浪漫主义的倾向而远离大卫的艺术道路,终因无法解脱而自沉于塞纳河。在格罗的画室德拉克洛瓦受到启迪,同时结识了席里柯,这对他产生了决定性的影响.在美术学院里,他精心研究过古典派绘画,他崇拜提香、鲁本斯、委拉斯开兹、伦勃朗和哥雅,英国的康斯太勃尔也给他很大的启迪。由于他的热情和充满艺术家心灵的自由,而不受古典主义传统深厚影响的画坛所重视。德拉克洛瓦24岁时,创作了第一幅震惊画坛的作品《但丁之舟》,它标志着法国又出现了一位大画家。26岁时创作了《希奥岛的屠杀》,使浪漫主义在法国画坛确立了不可动摇的地位。1825年,德拉克洛瓦到英国旅行,研究英国绘画成就,结识了英国大画家劳伦斯和波宁顿,英国绘画中鲜明的色彩给他留下深刻的印象。在回国后的创作中,更强调画中色彩的效果,否定古典主义清楚的轮廓和线条的美感。30年代,法国工人运动兴起,深受感动的画家创作了世界名作《引导民众的自由女神》,他以象征的艺术手法,表现了对人民大众英雄主义的热情和同情,是幅最具浪漫主义特征的作品。这位32岁的浪漫主义大师很渴望去意大利看看佛罗伦萨、威尼斯和罗马,但终未成行却去了东方摩洛哥和阿尔及利亚。这次东方之行改变了他的艺术道路,从此他的创作逐渐脱离现实,走向唯美主义道路。德拉克洛瓦大胆艺术创造的一生中,他的天才经常不被画界理解,所以他常说:“我被丢给野兽有三十年之久。”他晚年病重仍不忘画画,临终前他仍叫人把调色板拿来,以便调配颜色,他是握着调色板和画笔离开人世的,他给人类艺术宝库留下九千多件绘画作品,其中油画就有853件。
《但丁之舟》24岁的德拉克洛瓦,以但丁的《神曲》为题材创作了《但丁之舟》,直接向学院派挑战。在这幅画中,画家以浪漫主义手法描绘了但丁在维吉尔的引导下游地狱。在地狱里的斯谛吉河中浸透着一群曾经在人世间犯下罪行的人的灵魂,他们被罚在污泥浊水中无休止地互相咆哮、互相斗殴,看到但丁的小舟,他们个个竞相争着求生,踩着别人往船上爬,在这群罪恶的灵魂中有个但丁的仇人,想请但丁搭救他免受黑暗之苦,被维吉尔又推到河中,并说:“滚开些,到你的狗群那里去。”这些灵魂在人间时妄自尊大、罪行累累,无善可录,所以死后他们的灵魂还在这里咆哮如雷,他们中有许多自命不凡的大人物,将同样像蠢猪一样躺在这阴暗的地狱里受苦受难,遗臭万年。这幅画表达了悲剧性的主题和画家的民主思想,说明行恶者必然受到惩罚,罪恶深重的魔鬼们如果有求生的欲望,也必然遭到拒绝。这幅画在人们面前展现另一个世界可怖的景象,令人不寒而栗。但丁的小舟四周波涛汹涌,气氛恐怖、郁闷而紧张,色调沉郁深重,受着苦难煎熬的灵魂有的愤怒,有的因痛苦而气喘,有的咬牙切齿,有的因激动而狂吼,画面极其恐怖而且有强烈的感染力。当这幅画展出时受到进步艺术家和思想进步人士的赞扬,年迈的格罗叫自己的木工为他订做一只精致的新画框。但这幅画同时也受到学院派画家的讥讽、嘲弄和攻击,官方甚至不给展出。可是人们终于发现沉闷的法国画坛出现了一位巨大的天才,希望又恢复了,古典主义更显得暗淡无光。
《希阿岛的屠杀》1822年,土耳其人占领了属于希腊版图的希阿岛,并血洗掠夺了这个小岛。据说被杀平民有二万三千人,被卖为奴隶的有四万七千人。侵略者的暴行激怒了全欧洲的进步人士,也深深地激怒了画家德拉克洛瓦,他怀着巨大的同情,以鲜明有力的构思、动人心魄的形象和雄劲奔放的构图揭露了土耳其人的残暴罪行。在《希阿岛的屠杀》这幅画里,画家充满了人性和同情,极其生动地塑造了几组独立而又有联系的人物。画面右下方横躺着奄奄一息的少妇,胸怀袒露,不懂人事的婴儿正伏在胸前寻找活命的母乳。画家选择这一令人揪心的情节向侵略者发出最强烈的抗议;画面左边描绘了一组手无寸铁的男女老少,已经失去反抗的能力,濒临绝望,束手待毙;前景坐着一位老妇人,抬首仰望苍天,向上帝发出求助和控诉,有人认为这个形象就是画家当时的精神形象;画家特别在前景右上方画一个骄横残暴的土耳其士兵,勒马驻脚、以胜利者的姿态得意地看着被他们蹂躏过的土地,在他的马背后还拖曳着被缚的裸体少女,那是豺狼的猎物。画家为了加强残暴的气氛和悲剧的色彩,大胆借用了英国画家康斯太勃尔画中的光色,使画面色彩产生恐怖的真实感,透现了印象主义的晨光,有人说这幅画中的色彩打开了印象主义的天窗。这是一幅画家用生命激情、用愤怒与同情、用狂放的笔触和强烈的色彩塑造出来的人间悲剧场面。这幅史无前例的画震动了法国画坛,连他有浪漫主义倾向的老师格罗看了都大吃一惊,脱口而出:“这不是希阿岛的屠杀,而是绘画的屠杀。”就这幅画的艺术处理来看,画家把全部注意力放在色彩的力度上,他采用豪放的大笔触,通过明暗对比与人物的动态,将画面分为前后两个大层次,这使评论家戈蒂埃感慨陈词:“强烈的色彩,画笔的愤怒,他使得古典主义者如此不满与激动,以致他们的假发都发抖了,而年轻的画家却感到非常满意。”土耳其人残酷镇压希腊人民的反抗,激怒了当时欧洲的一切进步文艺家。贝多芬谱写了《雅典的毁灭》;柏辽兹写了《希腊革命大合唱》;英国大诗人拜仑直接参战,牺牲在米索隆基。1827年德拉克洛瓦毅然用象征的手法创作了《米索隆基废墟上的希腊》,再次声援希腊人民。
《引导民众的自由女神》又名《1830年7月27日》,取材于1830年革命,那是法国人民最后推翻封建王朝的“光荣的3天”。德拉克洛瓦以象征手法在画面的视觉中心塑造了一位丰硕半裸的女性形象,她一手握枪,一手高举三色旗。她是自由的象征,正在勇敢地领导人民前进去夺取最后的胜利。画面构图具有极大的视觉冲击力,有一种不可阻挡的动势,在女神的周围安排有法国革命代表性阶层人物的形象。人群中的那个孩子象征着年轻的法兰西。画面上的人物是现实的法兰西群众,环境是有巴黎圣母院作背景的真实的自然景色,充满人性的女神与各阶层的战士组合在一起,真实地再现了革命中的一个战斗场面,这幅画中塑造的人物形象有工人、市民和知识分子。德拉克洛瓦十分重视色彩造型,这幅画的色彩绚烂,色调丰富炽烈,他对色彩的运用已开始走向印象主义。正如荷兰大画家凡•高所说:“在印象主义绘画中,我看见了德拉克洛瓦的复活,不过德拉克洛瓦比他们更完整。”德拉克洛瓦不仅是色彩造型大师,同时也是素描大师,他说过:“色彩总是占据着我,但素描却更先控制着我。”在构图上,他像莎士比亚安排演员位置一样,擅长优美动人的构图。他作画始终充满激情,有人说他作画就像狮子吞食猎物一样,所以人们称他为浪漫主义雄狮。

巴比松画派
巴比松画派Barbizon School,法国19世纪的风景画派。巴比松为法国巴黎枫丹白露森林进口处,风景优美。19世纪30~40年代,一批不满七月王朝统治和学院派绘画的画家,陆续来此定居作画,形成画派。它不仅以写实手法表现自然的外貌,并且致力于探索自然界的内在 生命,力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受,以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程式,揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕。
厌倦都市活动,信奉“回归自然”。 其成员有卢梭、杜比尼、雅克等,其中卢梭为其领袖。柯罗与米勒与此画派关系密切。巴比松画派的画家们反对学院派画家在室内画风景画,主张走出画室在自然光下对景写生,然后以写生稿为基础,进行风景画创作。他们的创作经验,特别是对景写生,以求获得真实新鲜的感受和使画面色调响亮起来的艺术主张和实践,给欧美风景画家,包括印象主义画家以重要启示。在19世纪中叶,在巴黎近郊有一个极为普通、荒凉的小山村,它有着肥沃的土地,大片的森林,潺潺的流水和各种奇花 异草。这个普通的山村就是巴比松村。小山村里生活着一批美术史上鼎鼎有名的大画家,在这里呼吸着农村中大自然的新鲜空气和泥土的芬芳,用画笔描绘这里美丽的自然景色和风土人情,形成了著名的巴比松画派。这是一批在艺术上由创新精神的画家。巴比松画派的出现是法国19世纪30年代后复杂又严酷的政治斗争在艺术上的一个剪影。大革命失败,王朝复辟,接着又经历了七月革命,政治风云变幻,社会进步思潮低落,人们普遍希望能在精神上寻求一片能安顿心灵的绿洲。而以枫丹白露大森林以及巴比松为代表的农村景象正是他们寻找到的一片最纯洁的土地,没有受到政治空气污染的一片净土。
如果说印象派为西方近、现代绘画打开了一座大门;那么巴比松画派就是为西方风景画打开了第一座大门。可以说没有巴比松,就没有真正的风景画。此前的绘画中虽然也出现了天、地、山、河,但是这些自然风光并不是画面的主角,他们不是风景,仅仅是烘托气氛的背景和布景。虽然早在17世纪,洛兰和普桑就创作了很多风景画,但是这些古典画家,很少直接从大自然的感受中去吸取灵感,基本上没有直面大自然的作品。巴比松画派不仅用写实手法来表现自然的外貌,而且致力于探索自然界的内在生命,力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受。这样,巴比松画派便以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程序。它的创作成果使法国风景画从新古典主义的束缚下解放出来,获得了新的艺术生命,从而揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕,也为日后印象派的产生直接开辟了道路-----那就是相信自己的眼睛,从认识世界入手,观察世界,相信世界,描绘世界,赞美世界。 莫奈、雷诺阿他们将巴比松画派的现实主义风格发扬光大,寻求光线和色彩带来的效果,同时将现实生活中的新变化带入了绘画主题中。他们对包括巴比松前辈在内的各种绘画风格的继承、扬弃、创新与探索之路直接将西方绘画带进了印象主义的新纪元。可以说,巴比松与印象派之间有着直系的血缘关系。

西奥多•卢梭
一位法国风景画家。卢梭反对程式化艺术,他绘画自己看到的自然风景。他是巴比松画派的领导者,巴比松画派是一个年轻风景画家的组织,他们用现实主义风格惊艳巴黎。卢梭的作品经常被年度沙龙拒之门外,因此他被称作“高傲的垃圾”(非常不受欢迎的人)。19世纪50年代,他的作品才得到广泛认可。在他的引导下,巴比松画派开通了印象派之路。
是十九世纪法国巴比松风景画派画家.他的作品比较奇特.他因为处境困厄,故精神上充塞着烦恼与苦闷.他的父亲原是一个巴黎的工匠,因为经营不善而破产了,使卢梭老早就尝遍了贫穷的滋味.他的年轻的妻子发了疯,不得不与他离婚.他的艺术被人误解,二十余年中,批评家对他只有冷嘲热讽的舆论.直到一八四八年革命为止,他的作品每年被沙龙的审查委员会拒绝. 他秉有诗人的气质.他可不是表现晨光暮色时的幽密的梦境,而是抉发大自然要蕴藏的生气.文艺复兴期的多那太罗早曾发过这种宏愿,他为要追求体质的与精神的生命印象,曾陷于极度的苦恼.然而卢梭所欲阐发的,并非是人类的生命,而是自然界的生命.他的感觉,他的想象,使他能够容易地抓握最微贱的生物的性灵.他自言听到树木的声音.他们的动作,他们的不同的形式,教他懂得森林中的喁语.他猜测到花的姿态所涵的意义与热情.
当一个人到达了这个地步,无论是诗人或画家,他的眼睛是透视的了,他们能在外形之内透视到内心.大自然是一个超自然的世界,但于他一切都是熟习的.怀着猜忌与警戒,心头只是孤独与寂寞,他的日子,完全消磨于野外,面对着大自然.有一次他在田间工作是时遇到一个朋友,他便说:"在次多么愉快!我愿这样地永远生活于静寂之中."是啊,他和人世的接触愈少,便是和自然的接触愈多;他不愿与人群交往时,便去与自然对语.这里所谓自然不只是山水,不只是天空的云彩,而是自然界中一切的生物与无生物. 要捉摸无可捉摸,要表白无可表白,这是画家卢梭的野心.这野心往往使他陷于绝望.多少作品在将要完工的时候被毁掉了!如莱奥纳多•达•芬奇一样,他不断地发明特殊的方法,制造特殊的颜色与油,以致他有许多作品,经过了不纯粹的化学作用而变得黝暗,面目不辨. 他的代表作中,有《枫丹白露之夕》作者所要表白的,是在这丛林之下与平原之上流转着的无声无形的生气.树干的巍峨表示它独立不阿的性格,一望无际的原野表示天地之壮阔,牛羊广布,指示出富庶的畜牧;即是一花一草之微,亦在启示它们欣欣向荣的生命.然而作者懂得综合的力量最为坚强,故他并不如何刻求琐屑的表现;而且在一切小枝节汇集之后,最重要的还得一道灿烂的光明,把一幅图画变成一阕交响乐.于是他反复地修改,敷色;若是在各种探究之后依然不能获得预期的效果,他便转侧于痛苦的绝望中了.在痛苦中或者竟把这未完之作毁掉了;或者在狂乱之后,清明的意识使他突然感应到伟大的和谐.。卢梭并不刻求表现自然的真相,而是经过他的心所观照过的自然面貌.他以自己的个性,人物,视觉来代替准确的现实.他颂赞宇宙潜在的生命力.他的画无异是抒情诗,无异是一种心灵境界的表现.他自己说过他创出幻想以自欺,他以自己的发明作为精神的食粮. 百多年前,一批画家,远离喧哗的巴黎,走进一片原始森林,找到森林边的一个村庄――巴比松,他们在那里住了下来,开始直接面对大自然作画。美术史上著名的巴比松画派诞生了。柯罗,巴比松画派中的一员,开创了西方现实主义风景画的先河
《枫丹白露之夕》:卢梭的代表作品,画面像一个舞台,帷幕刚刚拉开,呈现在眼前的是一幕壮丽、辉煌的景色。近景是粗壮高耸的树叶枝丫交错构成的一个宏伟而优美的圆拱,像一座凯旋门,透过圆拱豁然明亮,灿烂的夕阳余辉普照着大地,放牛娃不知躺在哪棵树阴下酣睡,四散的牛群,漫不经心地在池边吃草饮水,一派恬静闲适的田园景色,蕴含着无限生机,是一首光与色组成的大自然交响乐曲。

亨利•卢梭
法国卓有成就的伟大画家。生于法国西北部的拉瓦尔市。父亲朱利安•卢梭是马口铁工匠。青年时期他当过军乐队队员,后离开巴黎做了海关官员。每个时代都有它的先知。被奉为二十世纪超现实主义艺术先行者的是亨利•卢梭。“他凭着本能画画,他认为创作者必须获得完全的自由才能在思想上达到美与善的境界”(亨利•卢梭自语)艺术家的全部秘密就是心灵的自由。它无需乞求,只需小心地、坚定地、执拗地保持和维护。它是一份人人享有的天赐。当然,为保持心灵的自由,就需要更多的牺牲。看看卢梭,当他离开世界的时候,告别的,只有贫穷。 “人们描述卢梭的性格时几乎总要提到他的‘质朴’与‘天真’。但是,一个如此伟大、质朴的人,一颗如此纯洁的心灵,却经常在另一些人心中激起一种要伤害他的欲望”除了贫穷以外,来自四面八方的嘲弄也几乎伴随卢梭的一生。若前者尚可认为是上帝对艺术家的一种特殊“恩惠”,后者却实在难以使人产生幽默感了。但卢梭对种种的捉弄,甚至是很残忍的玩笑,也能泰然处之。我想,当他为了尚无着落的晚餐而在街头演奏小提琴的时候,心头也依然也保持着天真与快乐吧。他并不是战胜痛苦!或者苦中作乐,不,他根本不以痛苦为痛苦!天真坦诚以及天真坦诚包裹着的自信,是那颗自由心灵的可*屏护。生活中一切磨难所造成的痛苦都无法进入这一方圣地。(莫扎特也是如此) 卢梭也常被人称为“原始主义”画家。因为他笔下那浸润着幻想色彩的热带丛林风光,人与野兽间充溢着温情的对视,和一种似梦非梦的神秘情调,很容易将人引向对一个遥远的古老时代的“回忆”。滤去原始时代血与火的残酷,留存的只是天真,稚拙,宁静与生命的单纯。这位都市里的“土著”(他一生未离巴黎)就生活在这个只属于他的想像的世界里。正如他自己所说,梦的单纯的力量,支配着我的景物。卢梭只是忠实地记录了一个有一个奇妙的神秘的永远的梦。是否活着的世界是虚幻的,惟有幻想中的世界才是真实的?卢梭的作品“纯净”得让你一眼就能看“懂”,却又总疑心放过了隐藏其中的某种深刻的奥秘。(我每次听莫扎特的音乐也是这种感觉)不过,我倒愿意仅仅保留一份天真与稚拙的感受,认定那单纯、自由、随心所欲无所依傍的形式就是一切。 “他没有发现新大陆,他生来就住在新大陆”。后来无论具象的达利还是抽象的米罗,超现实主义画家都发现了这片新奇的土地,都是卢梭风格的延续。而那一颗臻于美善境界的自由的心灵,那一种与生俱来随风而逝的天真,却从这不再是新奇的土地上永远消逝了。每个时代都有它的先知。被奉为二十世纪超现实主义艺术先行者的是亨利•卢梭。“他凭着本能画画,他认为创作者必须获得完全的自由才能在思想上达到美与善的境界”(亨利•卢梭自语)艺术家的全部秘密就是心灵的自由。它无需乞求,只需小心地、坚定地、执拗地保持和维护。它是一份人人享有的天赐。当然,为保持心灵的自由,就需要更多的牺牲。看看卢梭,当他离开世界的时候,告别的,只有贫穷。 “人们描述卢梭的性格时几乎总要提到他的‘质朴’与‘天真’。但是,一个如此伟大、质朴的人,一颗如此纯洁的心灵,却经常在另一些人心中激起一种要伤害他的欲望”除了贫穷以外,来自四面八方的嘲弄也几乎伴随卢梭的一生。若前者尚可认为是上帝对艺术家的一种特殊“恩惠”,后者却实在难以使人产生幽默感了。但卢梭对种种的捉弄,甚至是很残忍的玩笑,也能泰然处之。我想,当他为了尚无着落的晚餐而在街头演奏小提琴的时候,心头也依然也保持着天真与快乐吧。他并不是战胜痛苦!或者苦中作乐,不,他根本不以痛苦为痛苦!天真坦诚以及天真坦诚包裹着的自信,是那颗自由心灵的可*屏护。生活中一切磨难所造成的痛苦都无法进入这一方圣地。(莫扎特也是如此) 卢梭也常被人称为“原始主义”画家。因为他笔下那浸润着幻想色彩的热带丛林风光,人与野兽间充溢着温情的对视,和一种似梦非梦的神秘情调,很容易将人引向对一个遥远的古老时代的“回忆”。滤去原始时代血与火的残酷,留存的只是天真,稚拙,宁静与生命的单纯。这位都市里的“土著”(他一生未离巴黎)就生活在这个只属于他的想像的世界里。正如他自己所说,梦的单纯的力量,支配着我的景物。卢梭只是忠实地记录了一个有一个奇妙的神秘的永远的梦。是否活着的世界是虚幻的,惟有幻想中的世界才是真实的?卢梭的作品“纯净”得让你一眼就能看“懂”,却又总疑心放过了隐藏其中的某种深刻的奥秘。(我每次听莫扎特的音乐也是这种感觉)不过,我倒愿意仅仅保留一份天真与稚拙的感受,认定那单纯、自由、随心所欲无所依傍的形式就是一切。

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