挪威表现主义绘画大师爱德华•蒙克
爱德华•蒙克(Edward Manch 1863-1944)伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。爱德华•蒙克是具有世界声誉的挪威艺术家，西方表现主义绘画艺术的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。这幅作品的动人之处，还在于它匠心独具地表现了少女的纯洁，在画面上创造出了一种恬静、思雅和抒情诗般的意境。 实际上，画中少女上肢的姿态并不符合人体的动态规律。安格尔为了使少女的动态看起来更美，为她编造了这样一个不可能存在的动作。这幅作品对于水的表现非常神奇。从水瓶中倾泻而出的泉水是宁静的画面上最具动态的因素。但经过画家的巧妙处理，飞泻的清泉非但没有打破画面的宁静感，还使之平添了一种流动的韵律。
《呐喊》令人震颤的，色彩混淆的天与河，漫延到天际的无止境的道路，一个骷髅一般的人，双手放在耳朵上，声嘶力竭地大声尖叫，好像一个人的梦魇。这就是爱德华•蒙克（Edward Manch）的不朽名作《尖叫》（The Scream）。1893年，蒙克创作了著名的《尖叫》（也译作《嚎叫》或《呐喊》）的草图，《尖叫》通常被认为是第一幅表现主义画作，也是蒙克‘灵魂作画’这一概念最极端的体现。表现情绪的途径更多依赖了绘画时的力度，颜色与线条大胆的运用令人震撼。画中强烈失真变形的人物形象，血红的背景、动荡的线条是不可能取自于现实世界的——它来自于蒙克自己的‘心里的地狱’，表达的是人类心灵深处那种无可救赎的绝望和不安，主题的深刻永恒强烈刺激着观众的视觉神经。更不可思议的是，这幅作品似乎是对当今现代社会中人类的精神信仰状况的一种预言性的描述。人们发现，在绘画艺术中，精神分裂症能唤起没有艺术素养的人的艺术活力，有时还能增加已成名的艺术家的创造力。也许像心理学家们所表明的那样，艺术家确实存在潜在的精神病的倾向，而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表面化。有位作家曾说过：“有时我奇怪，所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西。”这种绘画的治疗作用在表现主义绘画之父爱德华•蒙克身上表现得犹为明显。蒙克于1863年出生在挪威的一个知识分子家庭。父亲是位知识渊博、阅历丰富的军医，母亲也受过良好的艺术教育。在他5岁那年，母亲因患肺结核而去世，姐弟五人由姨母代养，母亲去世后，父亲难过得好几天没有走出家门，他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克，这是他一生中首次感受到死亡的恐怖。蒙克13岁那年，年长两岁的姐姐也因肺病去世。
《病孩子》1885—1886年，为了抓住‘第一印象’，把痛苦的、个人化的经验以绘画的艺术形式表现出来，蒙克在这幅画的构思上经历了巨大的思想震荡。《病孩子》自此成为了他一生的创作主题，蒙克差不多每隔十年就重复画一幅《病孩子》。用蒙克自己的话说：‘这可能是我最重要的一幅画’，‘这是我艺术创作的一项突破，我在其后的作品，都应该归功于这幅画的诞生。’在这幅画中，蒙克使用了一种近乎疯狂的‘创作——毁坏——再创作——再毁坏’的作画方式。蒙克自己是这样描述的：我的画布上呈现了一幅佳作，但却不是我所想要表达的。这幅画在一年之中我重复画了好几次，我把它刮掉，又重新再涂上颜色，不断寻找我的第一个印象，那透明而苍白的皮肤，那嚅动的嘴，那颤抖的双手。蒙克与姐姐关系十分相好，感情极深，她的死再次刺激了蒙克的神经。接下来他的妹妹也患了精神分裂症。这一系列的打击所引发的伤痛，深深地印在了蒙克的内心里，决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调。从他的《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点。特别在1889年父亲去世后，他的精神更是无法寄托，性格变得忧郁而孤僻。孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克，到了非表达不可的程度。他要呐喊，他要画出活生生的人们，以及他们的呼吸、感觉和受苦受难。在这一时期，他画出了他最重要的作品《呐喊》。画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来，远景是海湾和落日景象。天空像滚动着的血红色波浪，令人感到震颤和恐怖，仿佛整个自然都在流血。蒙克后来在谈及此画时说：“我和两个朋友一起走着，夕阳西沉，天空变得像血一样红，我忽然无精打采，极度疲倦地止住脚步，黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌。朋友走着，我却一个人停在那里因不安而颤抖着，我感到了自然强烈的呐喊。”蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样，都是通过自身体验才画出的，他不是为了艺术而艺术，他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安。这就是他的创作的原动力所在。蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道，在不自觉中泄露了自己无意识的情感，使内心产生的巨大精神能量得以渲泄。正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样，通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态。倘若不是通过大量的创作来表达自己，那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了。
不幸的是，蒙克还是在1908年精神分裂了。在精神分裂中，他的精神得到了最彻底的解脱。从丹麦的哥本哈根接受治疗回到挪威后，他仍能以很高的热情坚持创作，他为奥斯陆大学讲演厅创作热力四射的巨大壁画《太阳》，也画了一些诸如《扫雪回家》和《工人回家》等纯朴自然的画作，但他作品所表达的东西与发病前彻底不同了，作品变得明亮、宁静而富哲理。这就是美术史学家们所称的“第二时期”。从这一时期的作品中我们只能得出一个结论，那就是蒙克内心的痛苦和冲突已经被释放得无影无踪了。

莫奈
法国画家，印象派代表人物和创始人之一。莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部份都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他没有按照画家的常路走，他最初小有名气是因为他的木炭漫画，这些画开价十至十二个法郎。在当地就学后，他将学校视同牢狱，在悬崖和海边嬉戏的时光多于听课，故此学习成绩不佳，在班上总是排在倒数几名的位置上，这个孩子唯一的爱好是绘画，他常常在笔记本上作素描，以老师和同学为对象画漫画，日积月累，倒也掌握了一些绘画技巧。不过，父母对此不赞成。小莫奈乐此不疲，加上与生俱来的秉赋，几年过后，他的漫画居然开始在文具里展出并且出售。15岁的时候，莫奈在当地已小有名气，他为自己作品开出的价格是每幅20法郎。从印象主义的产生、发展看，创始人非马奈莫属，但真正完全实现印象主义理念和技法、并且一以贯之的当推莫奈。是他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。为后人留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人，尽管后来的野兽派、立体派、超现实主义等艺术流派，并未遵循印象派创立的一些原则，但创立这些流派的艺术家，都从印象派那里汲取过营养。莫奈最喜欢画水。他搬到席芬尼后不久，就引溪水筑池，在池里种了黄、红、蓝、白和攻瑰色的睡莲。他对这些花的爱好，与日俱增，前后将近30年，屡画不厌，并且越画越大越抽象。在他晚年所绘的巨幅油画前，观者会有悬身于怪异水世界上空的感觉，看着白云的倒影在睡莲巨叶间的水面滑过。
《日出•印象》：这幅名画是莫奈于1872年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时, 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是＂对美与真实的否定, 只能给人一种印象＂。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出•印象》。它作为一幅海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色．岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一种瞬间的感受。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈为代表的一批要求革新创造的青年画家位“印象主义”，这一画派以此得名。19世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对外光表面的新探索.《日出•印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现……这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然，以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓，呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画，引起了官方的反对。该画是印象主义绘画的开山之作, 它标志着印象派绘画的产生．迅速成为一个风靡全球, 影响深远的世界性画派．它强调自然界的光和色, 把光与色的变化作为绘画的主流．莫奈被认为是第一个采用外光技法进行绘画的印象派大师。
《干草垛》：进入90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画”。所谓的“组画”，就是画家在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同的光照下，所作的多幅画作。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。比如1890—91年间，对同一干草垛，画家分别对在不同季节的早、午、傍晚的阳光下，物体所呈现出的不同色彩，认知多达15次的描绘。

马奈
生于巴黎，生于巴黎一个有自由主义色彩的中产阶级家庭，家境宽裕，父亲是司法行政官员。他从小受身为艺术收藏家的叔父影响，对艺术产生了兴趣。他十六岁考航海学校未被录取，立志学画。到巴黎后进入库蒂尔画室学习，这时他经常到罗浮宫博物馆和私人收藏家那里观摩前辈大师的作品，受到很大启发。不过他对传统绘画方式感到不满，随着求知欲的迸发，他不仅喜欢16世纪至17世纪的前人的名作，还对日本与中国的木版画产生浓厚的兴趣。在研究了西班牙画家委拉斯开支、戈雅等人的作品之后，他开始探索和尝试新的油画方法，试着走自己的路子。
马奈的画常常遭到官方的拒绝，但却受到年轻的印象派画家的赞赏。他同年轻的印象派艺术家交往，探讨艺术的革新，自己也画了一些印象派的画，并且从不向学院派妥协，但他始终不做彻底的叛逆者去参加印象派展览，而是穷其一生去争取获得官方画坛的承认。
马奈的作品之所以受到青年们的赏识，主要是他选材和表现风格自由，不受空间透视的束缚，以及有外光的新鲜感，打破了传统的千篇一律的棕褐色调。到后期，他又改用彩色笔触和彩色线条作画。无论是题材还是表现手法，马奈的绘画都具有较多新意，马奈的艺术好比从写实派走向印象派的一座桥梁。
马奈是推动19世纪绘画向近代绘画发展的革新者。自他之后，绘画的历史开始沿着与以前完全不同的道路发展了。从这个意义上说，马奈在绘画史上的作用远比库尔贝重要得多。库尔贝是资产阶级的叛逆者，革命的思想家，可是不是革命性的画家。因为库尔贝原封不动地继承了传统的表现手法，而马奈却坚决地与传统一刀两断。
自马奈开始，近代绘画便朝着打破三度空间，强调绘画的平面性的方向发展。这个发展趋势后来得到了人们的公认。实际上，正是由于这个原因，马奈付出了遭到世人猛烈攻击的代价。
马奈不是真正意义上的印象派画家，他从没有参加过印象派的画展，但他和印象派画家关系密切，深受印象派画家崇敬，有人说他是印象派的奠基人。尽管他从来没有参加过印象派画家的联合展览，仍被认为是印象主义画派的奠基人，很早就被后来的印象派画家们视为大师。这些画家比马奈年轻10岁左右。尽管马奈得到了这个尊称，尽管他与这些年轻画家保持着友好关系并同他们一起外出写生，他却始终拒绝参加印象派组织的画展。马奈出生于巴黎，父亲是内务部首席司法官。父母希望儿子学法律或当海军军官。16岁的马奈在开往巴西轮船上当见习水手，旅途中大自然的魅力深深诱 发了他那用色彩和线条描绘自然美的激情。在18岁时毅然走进巴黎古典主义画家托马斯•库迟尔的画室学习绘画。在这里前后学6年之久，受到严格的绘画基本功训练，获得了扎实的造型功力，但他不满古典主义。在这期间，他常到卢浮宫观摩历代大师作品，并游历德国、意大利、荷兰和比利时，以独立自主的见解获取了在画室中难以得到的真正清新厚实的艺术修养。